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Joan Miro, die Traumspinnerin

IN DEN LETZTEN JAHREN seines langen Lebens wurde der spanische Maler Joan Miro ein glücklicher Hacker.

Er machte ungeheuerliche Grafiken. Es schien ihn nicht zu stören. Er ließ seine geschäftigen Agenten den Markt mit sonnigen Drucken überschwemmen, die so trivial waren wie Schmuck, der auf Mallorca, wo er sich niederließ, an Touristen verkauft wurde. Seine letzten öffentlichen Skulpturen sahen oft aus wie schweres Spielzeug. Seine Wandteppiche waren schlimmer. Im Atrium des Ostgebäudes der National Gallery hängt jetzt ein teures Exemplar namens „Woman“. Dieses riesige und zottige Objekt wurde pflichtbewusst von anderen Händen gemacht, Händen, die dabei die Freude, die in der gezeichneten Karikatur, auf der sie beruhte, steckte, völlig zerstörten.

Nach einem langen langsamen Niedergang und schmerzhaften Operationen (bei Katarakt an beiden Augen, auch bei Herzbeschwerden) ist Miro gestern im Alter von 90 Jahren fast erblindet in Palma de Mallorca gestorben.

Er war der letzte überlebende Meister der modernistischen Revolution. Er verband die Ära van Goghs mit der Ära von Mark Rothko. Vielleicht hat er zu lange gelebt.

Die Jahrhunderte werden ihn retten. Mit ihrer üblichen Rücksichtslosigkeit wird die Kunstgeschichte mit der Zeit seine kleineren Gegenstände, seine dürftigen Drucke und Plakate, seine langweiligen Keramiken verwerfen. Miro war zu produktiv. Wie viele andere Maler, wie Renoir oder Raoul Dufy, benötigt Miro eine Bearbeitung. Er ist am besten in kleinen Dosen zu sehen. Eine schlecht gewählte Show könnte ihn als Leichtgewicht erscheinen lassen. Aber eine, die gut ausgewählt ist – und Miro hat genug Kunst für 10 solcher Retrospektiven geschaffen – würde ihn zu den besten und bedeutendsten Malern unserer Zeit zählen.

Mehr als 60 Jahre lang machte Miro, als er auf war, außergewöhnliche Bilder, deren Fremdheit und Schönheit den stärksten Verstand strecken und das härteste Herz zum Schmelzen bringen konnten. Und immer wieder prophezeiten – und beeinflussten – Miros inspirierte Bilder die kommende Kunst.

schärferes Bild ionische Brise quadra

Von allen Surrealisten war er der beste reine Maler. Er machte sich daran, die düsteren, intellektuellen Qualitäten des Kubismus zu besiegen – „Ich werde ihre Gitarre zerbrechen“, sagte er – und hatte diese Mission erfolgreich. Er fand einen Weg, die Fauve-Farben von Matisse mit den Linienspielen von Paul Klee zu mischen und erfand damit eine gemalte Poesie, die Arshile Gorky, Jackson Pollock und viele andere Maler der New Yorker Schule erst verblüffte und dann befreite. Die E.A. Carmean nennt Miros „Kopf eines katalanischen Bauern“ (1924) „das erste Feldgemälde der Geschichte“. Miro hat noch viel mehr gemacht. Seine sogenannten 'Constellations', die kleinen und überfüllten Bilder, die er 1940-41 produzierte, erscheinen heute als Vorhersagen für die Gesamtstruktur der abstrakten Kunst der 1960er Jahre.

Miro war als junger Mann in Paris so arm, dass er fast verhungerte. „Ich war so hungrig. . . Ich fing an zu spulen, während ich arbeitete. Manchmal war meine Schwäche so groß, dass ich es nicht über die Straße schaffen konnte. Manchmal hatte ich sogar Halluzinationen.' Auf die Schatten und die Haarrisse der Gipswand seines Ateliers starrend (fünf Jahrhunderte zuvor hatte Leonardo den Malern gesagt, dass sie diese befreiende Übung versuchen sollten), begann Miro die Präsenzen und Wortspiele zu sehen, die schwebenden Haare und Augen, das Zwitschern und summende Dinge, die durch seine Kunst schwärmen.

In den frühen 1920er Jahren half Miro der Malerei, was James Joyce der Fiktion und Sigmund Freud der Medizin gab. Er hat seine Traumwelt frei gemacht. Diese Sprünge in die Zukunft basierten auf Gegenleistungen: Joyce kehrte gedanklich zu dem Dublin zurück, an das er sich erinnerte, Freud kehrte in die Kindheit zurück, Miro nach Katalonien, zu den komplexen, wechselnden Erinnerungen, die er an seine geliebte Heimat im Südosten Spaniens bewahrte.

Die Katalanen sind weniger mit Dunkelheit, Mystik und Blutgier beschäftigt als die Bewohner der meisten anderen Teile Spaniens. Als Miro aufwuchs, pflegten Barcelonas Künstler starke Verbindungen zu Paris. Lassen Sie andere Spanier das schwarze Gewicht der Tradition spüren: Barcelonas Künstler und diejenigen, die sich entschieden haben, dort zu arbeiten – Picasso zum Beispiel und Antonio Gaudi, Spaniens einfallsreichster Architekt – würden sich in Cafés treffen und dort über das Neue diskutieren, und meiden das Gerade und Enge und füllen ihre Arbeiten gerne mit den windenden und elastischen Kurven des Jugendstils.

Miro, der Sohn eines katalanischen Juweliers und Uhrmachers, wurde 1893 in Barcelona geboren. Ohne Kenntnis dieser Region, ihres Sonnenlichts und ihrer Sprache, ihrer republikanischen Politik, ihrer Bauernhöfe, ihres Himmels, ihrer Tiere, kann man sein Werk nicht richtig lesen. seine Meereslandschaften und seine Johannisbrotbäume. Sie sind überall in Miros Kunst.

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Zunächst inspiriert von van Gogh und dem, was er von der neuen französischen Kunst sah, malte Miro teils kubistisch, teils fauve. Dann, 1921 und 1922, gelang Miro bei seiner Arbeit in Paris der Durchbruch. Ein Gemälde hat ihn aus der Fassung gebracht. Dieses zusammenfassende Bild - 1925 von Ernest Hemingway gekauft und jetzt als langfristige Leihgabe an die National Gallery of Art - ist das Bild, das Miro 'The Farm' nannte.

Eine minutiös detaillierte Träumerei über den Bauernhof seiner Familie in Montroig, es ist gefüllt mit Hofgeräuschen, Hoftexturen, Hofgerüchen – zerfurchte Erde und verrottende Blätter, Terrakottafliesen, bellende Hunde, Hühner, Pferde, Schnecken. Miro nannte das Bild aus gutem Grund seinen „Inbegriff“.

Die Stimmung des Gemäldes ist eine, die Hemingway in 'Tod am Nachmittag' beschrieben hat.

'. . . sitzen in schwerer Dämmerung bei Miro; Weinreben so weit das Auge reicht, geschnitten von Hecken und der Straße; die Eisenbahn und das Meer. . . In einem dunklen Raum standen drei Meter hohe irdene Krüge für die verschiedenen Weinjahre. . . Vor der Scheune hielt eine Frau eine Ente, der sie die Kehle durchgeschnitten hatte, und streichelte ihn sanft, während ein kleines Mädchen einen Becher hochhielt, um das Blut für die Bratensoße aufzufangen. Die Ente schien sehr zufrieden zu sein und als sie ihn niederlegten (das Blut war in der Tasse), watschelte er zweimal und stellte fest, dass er tot war. Wir aßen ihn später, gefüllt und gebraten; und viele andere Gerichte, mit dem Wein des Jahres davor und des großen Jahres vier Jahre davor und anderen Jahren, die ich aus den Augen verlor, während die langen Arme einer mechanischen Fliegenjagd, die sich im Uhrwerk aufzog, sich im Kreise drehten. . .'

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Miro hielt einen Strauß getrockneter Gräser von Montroig bei sich, während er 'The Farm' drehte. Etwas endete mit diesem Bild. Gelockert durch seine Lektüre der neuen französischen Poesie – „Ich habe mich die ganze Nacht damit verschlungen“ – und vielleicht durch seinen Hunger verwandelten sich Miros Gestalten: Bäume wuchsen Augen und Ohren, Schornsteine ​​wuchsen Haare, die Eidechse trug eine Dummkopfmütze. Miros Gedanken und Miros Pinsel begannen zu wandern. Seine Realität hatte sich verändert, aber sein Thema hatte sich nicht geändert.

„Anstatt etwas zu malen“, sagte er später über seine Methode, „beginne ich zu malen, und während ich male, beginnt sich das Bild durchzusetzen oder sich unter meinem Pinsel zu suggerieren. Die Form wird bei der Arbeit zum Zeichen für eine Frau oder einen Vogel. . . Die erste Stufe ist frei, unbewusst. . . Die zweite Stufe wird sorgfältig berechnet.' Es ist diese Mischung, diese Balance aus Drift und Attack, dem Durchdachten und dem Improvisierten, die Miros stärksten Kunstwerken eine unheimliche Ausgeglichenheit verleiht.

Miro behauptete, die Anwesenheiten, die er beschworen hatte, anzuerkennen. Hier ist seine Beschreibung von „Katalanische Landschaft (Der Jäger“) des Museum of Modern Art, ein Bild, das er 1924 fertigstellte:

„Da ist das Meer im Hintergrund, ein Auge, eine eiförmige Sonne. . . Der katalanische Bauer ist zu einem Dreieck mit Ohr, Auge, Pfeife geworden. . . Und das Herz des Mannes, Eingeweide und Geschlechtsorgane. Links habe ich das Flugzeug Toulouse-Rabat gezeigt: Es flog einmal in der Woche vorbei. Auf dem Gemälde habe ich es durch einen Propeller, eine Leiter und die französische und katalanische Flagge gezeigt. Sie können die Achse Paris-Barcelona wieder sehen. . . Ein Meer und ein Boot in der Ferne und ganz im Vordergrund eine Sardine mit Schwanz und Schnurrhaaren, die eine Fliege verschlingen. . . Ein Broiler wartet auf das Kaninchen, Flammen und Piment rechts.'

Kein Wunder, dass der Betrachter angesichts einer glühenden eiförmigen Sonne, einer großen Schnurrbartsardine, einem ungeduldigen Piment und einem Flugzeug aus Flaggen bald seltsame Träume erlebt, die sowohl seine als auch Miros eigene sind.

In den 1920er Jahren sprach der Dichter Paul Eluard einmal mit Wärme über die Sonnenkugeln, die er im gemalten Himmel eines von Miros Gemälden entdeckt hatte. So fuhr er fort, bis der Maler ihn kalt machte: »Das ist kein Sonnensystem«, sagte er. 'Es ist eine Kartoffel.'

Fugenmörtel oder Dichtungsmasse um die Wanne

Miro, jetzt ganz frei, fand, dass er Hunderte von Bildern machen konnte, luftige, offene, große, auf denen ein paar Linien schwammen; dicht gedrängt kleine, von fremdem Leben wimmelt; Seestücke, Himmelslandschaften, seltsame sardonische Witze. Ohne seinen Elan zu verlieren, ließ er seine Bilder nach vorne stürzen. Er befreite auch seine Techniken. Ab und zu wagte er es, Gegenstände auf seine Bilder zu kleben, ein gekräuseltes Stück Draht, ein Zeichendreieck, einen Kork. Manchmal nahm er Kerzen und brannte Löcher in seine Leinwand. Er bereitete riesige bemalte Felder vor, manche fleckig, manche dick gebürstet, und starrte in ihre Offenheit, wie er einst auf Gipswände gestarrt hatte, bis sie Zeichen riefen. Manchmal füllte er diese Felder voll aus. Manchmal ließ er sie fast leer.

Seine Methode, so dachte er, hat ihn nie im Stich gelassen. Geleitet von seinen Visionen, diesen katalanischen Visitationen und seiner sicheren Kontrolle schuf er unzählige Kunstwerke. Schließlich machten sie ihn reich. Seine Verspieltheit machte ihn zu einem besonderen Liebling amerikanischer Sammler. Seine Offenheit ermöglichte es ihm in den 1950er Jahren, von den Abstrakten Expressionisten so viel abzurufen, wie er ihnen 20 Jahre zuvor gegeben hatte.

Miro wurde mit der Zeit zu einer Art Held der Kunstwelt – weniger absurd als Dali, weniger einschüchternd als Picasso. Seine Kunst, wenn auch sicherlich modern, akzeptabel fortschrittlich, war nie schwer zu ertragen. Obwohl es riskant war – Genitalien und lockigen Haaren und unzähligen Krabbeltieren – schien es immer voller Spaß zu sein.

Er fühlte sich Amerika eng verbunden. Als er 1947 zum ersten Mal nach New York kam, wanderte er durch die Stadt und sammelte Spielzeug für den Bürgersteig. Es gibt hierzulande, insbesondere in Chicago und Manhattan, stärkere Sammlungen seiner Werke als in den meisten Hauptstädten Europas. 1959 lud Präsident Eisenhower Miro ins Weiße Haus ein, wo die beiden Männer über Kunst diskutierten. Miro lobte Ikes Gemälde als „sehr poetisch und sensibel“ – Begriffe, die denen ähnlich waren, die er benutzte, wenn er über seine eigene Kunst sprach.

„Im weiteren Verlauf bewege ich mich immer weiter zurück zu meinen eigenen Quellen“, sagte Miro einige Jahre vor seinem Tod.

Und was genau waren diese Quellen?

„Das, was rein und poetisch ist. Und aufrichtig«, sagte er. 'Und frei.'

empfohlene Gemüsezufuhr pro Tag

Der Miro der billigen Druckereien, des Publikums und der von anderen für ihn angefertigten galoppierenden Gegenstände wird schon bald vergessen sein. Miro, der verwurzelte Katalane, der Kolorist, der Träumer, der heitere verspielte Prophet, wird lange in Erinnerung bleiben.

Der Mann wurde zu Recht genannt. 'Miro' bedeutet auf Spanisch 'Ich habe gesehen'.