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'Welle': Können Sie es noch graben?

Nur wenige Dinge im Leben beschwören Nostalgie besser herauf als Musik. In jedem von uns steckt eine individuelle Jukebox voller Erinnerungen. Leider sind Oldies Radio und die Plattenfirmen so geschickt darin geworden, unsere Knöpfe zu drücken, dass ein Teil der Magie aus dem Prozess gelaugt wurde. Die stärkste musikinduzierte Nostalgie fühlt sich wie ein versehentlicher Hinterhalt an, eher ein Schicksalsschlag als eine Berechnung der Marktdemografie.

Isaac Hayes' Remake seines 'Theme From Shaft' ist der jüngste bedeutende Beitrag zur Betäubung der Nostalgie. Als der Song 1971 zum ersten Mal veröffentlicht wurde, fing seine perfekt abgestimmte Mischung aus düsterem Funk und beschwingter Orchestrierung die sanfte Prahlerei und die heftig poetische Essenz eines ganzen Jahrzehnts von Blaxploitation-Filmen ein. Hayes' zweite Einstellung ist fast eine exakte Kopie des Originals. Die vielschichtigen Synkopen im ominösen Intro werden etwas länger herausgekitzelt und die stimmlichen Akzente von Hayes' sattem Bariton sind leicht verändert, aber es bedarf sorgfältigem Zuhören, um die Unterschiede zu erkennen.

Die Unterschiede im Kontext sind jedoch nicht zu übersehen. Während das ursprüngliche „Theme“ den Beginn der Blaxploitation für ein Nischenpublikum von zuvor entrechteten Kinobesuchern vertonte, ist das neue „Shaft“ eine Hollywood-Produktion, die von der steroidähnlichen Muskelbewegung der Unterhaltungsindustrie gestützt wird. Hayes' trockener Slogan „Can you dig it?“ ist zum feuchten Traum eines jeden Marketers geworden und hat dazu beigetragen, den Song und den neuen Film in einen weiteren Güterwagen im Hollywood-Soßezug zu verwandeln. Als sich wiederholender Bestandteil dieser mediengesättigten „Shaft“-Manie hat Hayes' Thema seine Kraft verloren, uns zu überraschen und zu transportieren. Im wahrsten Sinne des Wortes, im Sprachgebrauch der Straße, hat es sich selbst gespielt.

Aber auch andere Tracks auf der neuen 'Shaft'-CD beschwören ihre schwarzen musikalischen Wurzeln auf eine Weise, die ihre zeitgenössische Kreativität schärft. Auf 'Rock Wit U' formuliert Alicia Keys die Spannung der Gitarrensaiten-Dynamik von 'Shaft' und 'Papa Was a Rollin' Stone' neu und verwandelt den Mix dann in einen Marvin Gaye-Swirl, während ihr Gesang an Caron Wheelers Arbeit für erinnert Seele II Seele. Die Ballade „Summer Rain“ von Carl Thomas enthält Ausschnitte aus Stevie Wonders „Summer Soft“ und ist offensichtlich von diesem inspiriert. Sleepy Browns 'Automatic' hätte ohne das Beispiel von Gil Scott-Herons politisch scharfsinnigen Pre-Rap-Talksongs nicht passieren können, und auf '2 Glock 9's probiert Produzentin Beanie Sigel Notorious BIGs 'Who Shot Ya' während das Lock-and-Load-Thema erweitert wird, das von DMX's 'Ruff Ryders Anthem' entwickelt wurde.

Jeder dieser Songs – oder vielleicht R. Kellys elegisches „Bad Man“ oder die Tandem-Raps von Jadakiss und Eve in Parles „Fix Me“ – könnte seinen Weg in das öffentliche Bewusstsein finden, bis zu dem Punkt, an dem fünf oder zehn Jahren werden sie uns zurück in den Sommer 2000 überfallen.

(Um einen kostenlosen Sound Bite von diesem Album zu hören, rufen Sie Post-Haste unter 202-334-9000 an und drücken Sie 8161.)

„Mahagoni“, „Cooley High“

Keine Plattenfirma hat mehr mit der Macht der Nostalgie gehandelt – und folglich verwässert – als Motown. Die jüngste Neuauflage der Soundtracks für „Cooley High“ und „Mahogany“ zeigt jedoch, dass das Label am Boden seines Backkatalogs steckt. Sofern Sie sich nicht nach seinen fünf eminent unvergesslichen Instrumentals sehnen, sind die 22 Tracks auf dem 1975er „Cooley High“ die x-te Neuverpackung von „My Girl“, „Dancing in the Street“, „Stop! Im Namen der Liebe“, „Reich out, ich werde da sein“ und so weiter und weiter und weiter.

Motown hat sich selbst einmal zutreffend als 'The Sound of Young America' ​​bezeichnet. Zu viele Jahre und Wiederholungen später sind seine charakteristischen Songs unserer Nationalhymne ähnlicher geworden – ein auswendiges Hörerlebnis, das meist ohne Bedeutung ist.

Wenn möglich, ist der Soundtrack zu „Mahagony“, ebenfalls aus dem Jahr 1975, entmutigender. Zum Zeitpunkt seiner Veröffentlichung war der Film ein opulentes Vanity-Vehikel für Diana Ross, die Ex-Supremes-Sängerin und nicht zufällig die damalige Frau des Motown-Gründers und 'Mahagony'-Regisseurs Berry Gordy. Der Film war ein lächerliches Durcheinander und der Soundtrack ist noch schlimmer, mit einem Ross-Gesang (das langweilige, meckernde 'Theme From Mahogany') und einer Fülle von schäbigen Songs von Michael Masser. Ein verschimmelter Valentinstag aus einer gescheiterten Ehe, herausgebracht von einer Plattenfirma, die vor langer Zeit an Konzerne verkauft wurde, dies könnte die belangloseste Veröffentlichung des Jahres sein.

(Um einen kostenlosen Sound Bite zu hören, rufen Sie Post-Haste unter 202-334-9000 an und drücken Sie 8162 für „Cooley High“ und 8163 für „Mahagoni“.)

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B. B. King und Eric Clapton

Manchmal kann die betäubende Nostalgie sogar auf brandneue Musik übergreifen. Dies ist bei „Riding With the King“ der Fall, der ersten abendfüllenden Zusammenarbeit zwischen dem weltweit beliebtesten Blues-Gitarristen B.B. King und seinem bekanntesten Schüler Eric Clapton. Vor etwas mehr als 20 Jahren, als die beiden Gitarrengötter gemeinsam auf Tour waren und noch einen Rest Hunger nach dem Beistand des Blues hatten, hätte dies ein folgenschwerer Gipfel werden können. Aber was wir heute bekommen, sind zwei Meister, die ihrem Handwerk nachgehen und klassische Nummern (die meisten von ihnen in Verbindung mit King) produzieren, die so vorhersehbar sicher und raffiniert sind, dass sie sofort vertraut sind, und eine 'Fahrt' schaffen, die so plüschig und sicher ist wie eine Spritztour im schwarzen Vintage-Cadillac, in dem beide Männer auf dem CD-Cover faulenzen.

Die Fußgänger-Ambitionen der Platte können den Liner Notes entnommen werden. Die Rhythmusgruppe – Nathan East, Steve Gadd und Joe Sample – sind allesamt leistungsstarke El Lay-Session-Katzen. Unerklärlicherweise unterstützen zwei und manchmal drei zusätzliche Gitarristen King und Clapton bei fast jedem der 12 Melodien.

Angesichts des enormen Talents ist „Riding With the King“ nicht ohne Freude. King gräbt tief nach ruppigen Vocals auf 'Ten Long Years' und 'Three O'Clock Blues'. Es gibt einige wunderschöne Slide-Gitarren-Licks auf einer akustischen Version von Bill Broonzys 'Key to the Highway'. Und auf halbem Weg durch den vorletzten Track – ein Cover der Soul-Kastanie „Hold On I’m Coming“, das von Isaac Hayes mitgeschrieben wurde – fangen King und Clapton endlich an, sich mit mitreißenden Soli herauszufordern, die zu einer leuchtenden Wünschelrute flechten, die himmelwärts in Richtung Blues Majestät zeigt.

In der Bruderschaft des Blues ist Understatement ein Zeichen von Geschmack und Virtuosität. Clapton und King folgen dieser Philosophie bis zum Äußersten und schaffen ein Album ohne Leidenschaft und Dringlichkeit. In einer Zeit, in der das Genre im Niedergang der Popularität ist, sind keine zwei Künstler besser gerüstet, um ein Banner des Blues zu hissen, damit alle es sehen können. Aber bei „Riding With the King“ fühlt es sich eher wie eine weiße Fahne satter Resignation an.

(Um einen kostenlosen Sound Bite von diesem Album zu hören, rufen Sie Post-Haste unter 202-334-9000 an und drücken Sie 8164.)