logo

DIESES VIERTE KOMMT DAS ANDERE KOPLAND HERAUS

Aaron Copland (1900-1990), manchmal auch „der Cowboy aus Brooklyn“ genannt, veränderte den Kurs der amerikanischen Musik. Seine Ballettpartituren hüllten den melodischen Schwung und die lebendigen Rhythmen unserer Volksmusik (insbesondere Cowboylieder, aber auch Square Dances und Hymnen) in die leuchtenden Orchesterfarben der russisch-französischen Tradition, die von Hector Berlioz begonnen und von Nicolai Rimsky-Korsakov perfektioniert wurde. Copland lernte dies paradoxerweise in Frankreich unter der Anleitung von Nadia Boulanger, bei der später mehrere Generationen amerikanischer Komponisten studierten.

Coplands frühere Experimente mit Jazz und Atonalität und seine späteren Vokalwerke erhielten nie die Aufmerksamkeit, die seinen Volksballetten geschenkt wurde, und so ist er einer der bekanntesten und am wenigsten bekannten Komponisten unserer Zeit. Sie müssen hart arbeiten, besonders um den 4. Juli herum, um seine „Fanfare for the Common Man“ oder sein „Lincoln Portrait“ nicht zu hören; Ballette wie „Appalachian Spring“, „Billy the Kid“ und „Rodeo“ werden das ganze Jahr über häufig gespielt. Die andere Seite von Coplands Kunst bekommt gerade erst die Aufmerksamkeit, die sie verdient, und das Publikum wärmt sich jetzt für seine Liederabende, seine frühen Werke, seine Oper und seine Chormusik auf. Ein wichtiger Wendepunkt war die hervorragende Aufnahme seiner „The Tender Land“ (Virgin 59207, zwei CDs mit Libretto) Ende 1990. Diese lange vernachlässigte Oper war vor dieser Veröffentlichung fast völlig unbekannt; seitdem hat es allein im Raum Washington zwei Produktionen gegeben.

Das nächste unbekannte Copland-Werk, das eine Wiederaufführung erleben wird, ist sein erstes großes Orchesterstück, ein Ballett namens „Grogh“, das vom Stummfilm „Nosferatu“ inspiriert und wie dieser Film voller makaberer Szenen mit wiederbelebten Leichen ist. In den frühen 1920er Jahren komponiert und 1932 überarbeitet, fand es kein Publikum und verschwand aus dem Blickfeld, einige davon gingen vollständig verloren und andere wurden in andere Werke recycelt; das Stück wurde zu einer bloßen Fußnote in Studien zu Coplands Werk. „Grogh“ wurde vor einigen Jahren in der Library of Congress wiederentdeckt und 1992 von Dirigent Oliver Knussen wiederbelebt, der es in einer neuen Aufnahme (Argo 443 203) präsentiert, die jede jazzige, polytonale, rhythmisch komplexe und unheimlich orchestrierte Nuance einfängt. Manchmal erinnert es an späteres Copland; andere Passagen erinnern an Strawinsky und Gershwin, aber das Stück etabliert eine eigene Identität und fügt sich gut zusammen. Es ist gut, um einfach nur zuzuhören, aber ich würde mich wundern, wenn es nicht bald von jemandem choreografiert wird; gute Copland-Ballettnoten sind nicht zu übersehen.

Eine weitere obskure Ballettmusik aus Coplands Jugend: „Hear Ye! Hear Ye!“, ergänzt die CD ebenso wie das Prelude for Chamber Orchestra, eine fein strukturierte Überarbeitung des ersten Satzes der Symphonie für Orgel und Orchester. „Hören Sie! Hören Sie!' ist ein lebendiges Ballett über einen Mordprozess. Die Musik hat einen satirischen Beigeschmack, der in Copland selten ist, ein starkes Jazzelement und wiederum einige Harmonien, die in Gershwins Musik häufiger vorkommen.

Weniger unbekannt als 'Grogh' und 'Hear Ye! Hören Sie!' aber immer noch nicht ganz gewürdigt werden die orchestrierten Versionen von Coplands zwei Liederzyklen, „Old American Songs“ und „Eight Poems of Emily Dickinson“. Beide wurden in der Vergangenheit gut aufgenommen, aber ein neuer Standard wird auf einer Teldec-CD (77310, mit Texten) gesetzt, gesungen von Bariton Thomas Hampson (in beiden Sets alter Lieder) und Sopranistin Dawn Upshaw (in den Dickinson-Gedichten) mit Hugh Wolff dirigiert das St. Paul Chamber Orchestra. Hampson und Upshaw gelten weithin als die führenden jungen amerikanischen Sänger in ihren jeweiligen Kategorien und rechtfertigen ihren Ruf hier mit Gesang von großer Klangschönheit und Präzision, einem feinen Gespür für verbale Diktion und Projektion. Beide zeigen vor allem ein ausgeprägtes Wissen, wie man die dramatischen Werte hervorhebt, die für Upshaw in den Dickinson-Gedichten konstant und intensiv sind und für Hampson in den alten Liedern zeitweilig, aber kraftvoll sind. Wolff und das Orchester füllen die CD mit drei Auswahlen aus „Billy the Kid“ und einer entzückenden, unbekannten kleinen Copland-Tondichtung namens „Down a Country Lane“.

amerikanische Musik

An American Collage: Music for Solo Voice and Chorus (Albany TROY 098, mit Texten). Coplands einfache, beredte Vertonung des Anfangs des Book of Genesis ist das beeindruckendste der 19 Werke, die hier von der Mezzosopranistin D'Anna Fortunato und einem Chor der Bucknell University gesungen werden. Aber John Dukes Vertonungen von Robert Frost und Archibald MacLeish verdienen besondere Beachtung, ebenso wie die idiomatische Behandlung von Material des 19. Jahrhunderts von Richard Hundley und William Duckworth und Lee Hoibys exquisite Vertonungen von Walt Whitman und William Blake. Dies ist eine schöne Darstellung traditioneller Stile im zeitgenössischen amerikanischen Chorsatz.

George Chadwick: Symphonie Nr. 3 (Chandos 9253). Diese Sinfonie, die 1894 von einem Bostoner komponiert wurde, zeigt die amerikanische Musik der Zeit von ihrer besten Seite, die dem Mainstream des zeitgenössischen Europas völlig gewachsen ist. Der Stil ist deutlich Brahmsian, ebenso wie die Vorstellungskraft und die Beherrschung der Form. Auch auf dieser CD, in stilsicheren Aufführungen von Neeme Jarvi und dem Detroit Symphony, befinden sich vier kürzere Werke von Samuel Barber, einem weiteren Meister des spätromantischen Stils, dessen Musik mit der von Chadwick kompatibel ist, obwohl sie etwa ein halbes Jahrhundert später komponiert wurde: zwei Auszüge aus der Oper 'Vanessa', der stimmungsvollen 'Music for a Scene From Shelley' und dem kraftvollen 'Medeas Meditation and Dance of Vengeance' (komponiert – wie so viel großartige amerikanische Musik – für Martha Graham).

Victory Stride: Die symphonische Musik von James P. Johnson (MusicMasters 87140). Johnson ist vor allem als Vater des Stride-Stils des Jazzpianos bekannt und Komponist von mehr als einem Dutzend Broadway-Shows und 200 populären Songs (insbesondere „Charleston“, das in den 1920er Jahren einen Tanzwahn auslöste). Aber er hat auch einige klassische Stücke komponiert, die jetzt erstmals vom Concordia Orchestra, dem Dirigenten Marin Alsop und der Pianistin Leslie Stifelman aufgenommen wurden, die Aufmerksamkeit verdienen. Auffällige Mischungen aus klassischen und Jazz-Idiomen auf dieser CD sind die symphonische Dichtung „Drums“; das 'Concerto Jazz a Mine', das die Geschichte des Pre-Bop-Jazz-Pianos zeigt; die „Klage“, eine symphonische Bearbeitung thematischen Materials aus der „St. Louis Blues'; und 'Harlem Symphony', insbesondere in der Tondichtung 'April in Harlem', die ihr zweiter Satz ist.

Robert Hall Lewis (Neue Welt 80444). Lewis ist einer der unerschrockensten und inspiriertesten Entdecker neuer Klänge und musikalischer Systeme in Amerika und ein Komponist für den Geist, dessen intensiv destillierte Werke wiederholtes, nachdenkliches Hören erfordern, bevor sie ihre innersten Geheimnisse enthüllen. Damit sind Aufnahmen sein lohnendstes Medium, da sie die langsame, notwendige Entwicklung von Vertrautheit ermöglichen. Als versierter Dirigent leitet Lewis seine eigene Symphonie Nr. 4 (1990) und drei seiner 80er-Jahre-Werke ('Invenzione', 'Diptychon' und 'Kantaten') auf dieser faszinierenden CD.

George Gershwin Plays (Pearl GEMM CDS 9483, zwei CDs). Dieses Set ist für Sammler unverzichtbar und enthält alle Klavieraufnahmen von Gershwin, solo oder mit Orchester, seine Begleitungen von Fred und Adele Astaire in vier Liedern, das 1929er 'An American in Paris', die 'Porgy and Bess'-Auszüge, aufgenommen von Lawrence Tibbett und Helen Jepson unter seiner Aufsicht und Ausschnitte einer Radiosendung von 1933, in der er das Finale seines Konzerts in F spielt. Von besonderem Interesse sind zwei Aufnahmen von 'Rhapsody in Blue' mit dem Orchester von Paul Whiteman, die erste 1924, als die Musik noch nur wenige Monate alt; die zweite 1927 mit viel reicherer Orchestrierung. Beide sind für das ausgeprägte Klarinettenspiel von Ross Gorman fast ebenso interessant wie für Gershwins Klavier.